Peyrotau & Sediles son un poderoso exponente de la nueva creación fotográfica en España. Han expuesto en EEUU y Alemania, y ahora nos presentan su proyecto Metus (miedo en latín), un apasionante ejercicio de incertidumbre y de sombras, en el que experimentar nuestras propias emociones.

Este “gabinete de fotografías negras”, en palabras de la comisaria e historiadora Susana Blas, nos estremece poniéndonos en la piel de héroes decadentes como Jean Floressas des Esseintes (“A contrapelo”), mesiánicos como Neo (“The matrix”), o góticos como Nick Cave.

Metus nos espolea y nos desafía a enfrentarnos con nuestros miedos pero en esta confrontación nos encontramos solos, cara a cara, con el sentimiento más viejo y arcano.

Una galería de objetos y personajes remueve nuestro interior haciendo imposible la indiferencia, muy al contrario, nos muestra solo lo imprescindible, aquello que emerge de la oscuridad como un fantasma, atenaza nuestro corazón, y nos deja al borde de un abismo oscuro, casi negro.

La muestra se puede ver hasta el 26 de marzo de 2011 en la Galería Cámara Oscura.

EL VIAJE DE JUAN

Tomó Juan su equipaje y decidió emprender su camino, suerte que tuvimos que en la valija de las cosas necesarias incluyera una cámara. Sí, nosotros somos los afortunados con esa decisión, ya que él hubiera disfrutado igualmente de esos momentos suyos que nos regala ahora con cada mirada.

El camino lo asocio a la búsqueda, uno comienza a caminar porque desea buscar y aunque la mayoría de las veces no sabemos a dónde vamos ni qué buscamos, hay un impulso en nuestro interior que nos hace seguir y seguir hasta comprender que “todo camino que nace de ti regresa a ti”. Debe sentirse Juan contento con su primera exposición, en ella encontramos ya una línea, una mirada, una luz muy personales, es su sensibilidad, y esto no se puede aprender ni transmitir. Pero sí hay que caminar para poder desarrollarla…

Él toma la cámara cuando la mayoría de los fotógrafos la guardan y es capaz de recoger con delicadeza, pero con audacia, esos instantes de penumbra y construir con ellos unos claroscuros que nos deslumbran.

Más que leer me gusta releer, más que mirar, remirar… y así tengo cuatro carpetas en mi cabeza, la de los libros que he leído, la de los libros que releo, la de las imágenes que he mirado y la de las imágenes que remiro. En esta última estarán para siempre las imágenes de Juan.

Encarna Marín.

CAMINOS Y NOCHES DE HOTEL

Amor por la soledad

Un autorretrato

Recuerdos de lugares y momentos pasados

Carreteras que se han intuido

La prueba de haber pasado

Una cámara de fotos como compañera

Una forma de mirar sin poses ni artificios

El blanco y negro como tranquilidad y pausa

Ser sincero con la foto

Curiosidad por los lugares y por la esencia invisible de las personas

Una realidad de historias mínimas

El valor de lo pequeño, la percepción de lo sutil

Una apuesta por la ternura.

7 años de viajes,

De nostalgia

Y de aprendizaje

Bienvenidos a Caminos y Noches de Hotel

La exposición está disponible hasta el 15 de enero en la Galería Mediadvanced

Marina del Mar

Paco Salinas, el coordinador de Fotoencuentros, ha escrito esta introducción para presentar el festival este año:

Basta con mirar alrededor, cualquier día en cualquier lugar, para ver a una, alguna o muchas personas haciendo fotografías, bien sea con una cámara compacta, con un teléfono o con una supercámara.

¿Qué está mirando?, ¿cómo lo ve?, ¿cuál es su punto de interés?, ¿responde la fotografía a lo que ha visto su mente?, ¿la cámara es un  prolongación de su ojo?… Hace poco observando a un grupo, en lo que debían ser los previos de una cena de compañeros o amigos, 14 de los 16 sujetos estaban haciendo fotos.

Para el recuerdo, para subirlas a cualquier red, para almacenarlas ¿quién lo sabe? O quizá podrían acabar dentro de un disco duro, sin que nadie jamás supiese su contenido, en cualquiera de los miles de basureros de material informático obsoleto que existen.

¿Servirán estas imágenes para tomar individual o colectivamente una mayor conciencia del mundo?, ¿para conocer y saber más?, ¿para formar a otros? Los datos dicen que lo que prima en el fomento de este tipo de consumo y entretenimiento, son los intereses comerciales, pero eso no puede ser así en general.

Enseguida recordé a Borges y su Aleph. Tuve una fantasía: ¿sería posible poner los miles de millones de fotografías que hacemos cada día en el mundo una junto a otra y empapelar la tierra? ¿Ver todos los puntos de vista de esos cientos de millones de personas en cientos de millones de lugares del mundo como un conjunto y al mismo tiempo?

Más tarde pasé de esas fantasías visuales y pensé en esa catarata vertiginosa de imágenes que nos ha dado la cultura digital. A reflexionar sobre qué son estas imágenes ¿una cuestión de afirmación personal, o de un grupo muy reducido?, ¿un documento que nos ilustre sobre el mundo a la manera de lo que entendemos como prácticas tradicionales en la fotografía documental? ¿Es posible que los medios técnicos actuales nos abrumen y los subutilicemos?

¿Es posible que manejemos mucha información, pero tengamos poca formación para digerir tal avalancha? Desde todos los foros desde la mitad del siglo XX se dijo, y muchos lo seguimos pensando, que la fotografía es el instrumento de apropiación, creación y reflexión sobre el mundo, más democrático del que se dispone. Ahora también se le reconoce a la fotografía el estatuto de práctica hegemónica y paradigmática, no sólo en el arte contemporáneo, sino en la cotidianeidad del mundo. Lo que no sabemos -en este momento en que las prácticas del arte contemporáneo están sujetas a tan drásticos y veloces cambios-, es cuál será el papel que este nuevo estado de la producción y comunicación de imágenes producirá en los usos y prácticas de las estrategias documentales.

Mientras en esta undécima edición de fotoencuentros -enmarcada en la crisis global, económica y de valores más importante que recordamos-, hemos planteado una programación en la que exhibimos la obra de fotógrafos documentales, que se aproximan a fenómenos que podemos llamar festivo-cotidianos, pero que en una revisión actual pueden aproximarnos a otras lecturas. La mayoría de las imágenes que presentamos en las exposiciones son del siglo XXI, pero es curioso reflexionar sobre los iconos actuales que aparecen en algunas de las prácticas sociales tradicionales.

Y cómo en apenas unos años, lo que proyectamos sobre esas imágenes nos da significaciones diferentes. Sabemos que: lo que vemos no es lo que vemos es lo que somos. Y lo que somos es una mezcla de percepción, experiencia, tradiciones, personalidad, humores, publicidad… y cultura. Y tiempo.

Fotoencuentros comienza el 18 de enero y durará hasta el 28 de febrero. Un mes lleno de exposiciones, talleres, mesas redondas, conferencias y hasta un fotomaratón.

Aquí tenéis el programa completo, y más información, en su web

En la Galería José Robles de Madrid podemos ver la exposición A través de Gloria Ceballos y ésta es la nota de prensa que explica la obra:

El propio título de la exposición, A través, nos invita a participar de la particular visión de Gloria Ceballos sobre la sensación de sobrecogimiento ante la naturaleza.

En esta segunda exposición individual en la galería José Robles, la artista nos invita a recorrer el silencio del bosque para compartir las experiencias de sobrecogimiento ante la naturaleza, de abismo,la pequeñez ante la grandeza de la Creación, que nos hablan del miedo, la soledad, lo imposible,lo inalcanzable, lo inabarcable.
Experiencias, que lejos de ser particulares de la artista, son universales y por tanto cercanas a cada uno de nosotros.
En esta exposición, la artista mantiene su decidida apuesta por la obra sobre papel, tanto en obra gráfica como con una serie de intervenciones personales.

La serie “El silencio del bosque”, es realizada sobre la fragilidad matérica del papel, pero conservando su color blanco, sugiriendo así esa sensación de quietud y sobrecogimiento experimentados en la naturaleza:

“Es una verdadera necesidad, como una “voz sin tinta”; parece que cualquier color distorsionaría esa sensación tan delicada y especial que se nos sugiere con la delicadeza del blanco sobre blanco”.

El color nos sorprende en las estampas digitales y serigrafías presentes en la sala contigua, donde la figura humana se encuentra inmersa en un bosque de eucaliptos.

La instalación “Acículas” compuesta por una serie de cajas de metacrilato tratado que contienen acículas recogidas en un pinar. Estos elementos naturales que parecen tan frágiles visualmente, realmente son fuertes y defensores; esa dualidad de significados sirve una vez más para hablar de la fragilidad. Con esta obra, la autora reflexiona sobre lo sutil, la importancia de lo pequeño y delicado.

“A veces me siento infinitamente pequeña ante la naturaleza: al adentrarme en sus bosques profundos y misteriosos, frente a la inmensidad del mar, ante el abismo de las montañas ,viendo caer lluvias torrenciales…La sensación es sobrecogedora.

Ante esta grandeza de la naturaleza me quedo con una sensación de inmovilidad, necesitada de silencio, de apreciar lo que tengo delante y sentirme parte integral de la naturaleza, de la Creación. Necesito estar en silencio y soledad, viviendo dentro de ella los sentimientos, sensaciones y temores que todos tenemos.”

Se puede ver hasta el 28 de enero en la Galería José Robles, situada en la c/ Belén, 2 de Madrid

Fundación Foto Colectania presentará el portfolio Las mujeres son hermosas (Women are beautiful) del maestro de la street photography Garry Winogrand. Se trata de 85 fotografías tomadas en Nueva York entre 1960 y 1975, que fueron reunidas en el famoso libro por John Szarkowski, el legendario curator del MoMA. La mayoría de estas fotografías fueron tomadas en la calle y sus instantáneas documentan la vida de las jóvenes y emancipadas mujeres de los 60s y 70s, retratadas de una manera única. Una celebración a la mujer en sus diferentes manifestaciones a través de dos de las décadas más importantes del siglo pasado.

La exposición se va a poder ver a partir del próximo 22 de febrero en la Fundación Foto Colectania, situada en la c/Julián Romea, 6, D2 en Barcelona.

Vía Colectania

Si todavía no os habéis pasado por la exposición del Círculo de Bellas Artes de Horacio Coppola estáis a tiempo, ya que finaliza el 16 de enero.

Horacio Coppola fue el primer fotógrafo que realizó la peregrinación iniciática común a numerosos artistas plásticos argentinos desde finales del siglo XIX. Sin embargo, antes de sus dos viajes a Europa, en 1930 y 1931, ya se intuía una vocación moderna en su forma de captar la realidad.

A través de 120 fotografías, esta exposición retrata la estancia de aprendizaje fotográfico y cinematográfico de Coppola en Europa, antes de regresar y convertirse posiblemente en el fotógrafo más ilustre de Buenos Aires.

El horario que tiene es de martes a sábados de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 y domingos y festivos de 11:00 a 14:00. Los lunes está cerrado.

CBA

La exposición de Pablo M. García Llamas estará hasta el próximo 31 de diciembre.

LA MEMORIA ROBADA – John Berger

Durante la segunda mitad del siglo XX el juicio de la historia fue abandonado por todos excepto por los desposeídos, por los marginados. El mundo industrializado, temeroso del pasado, ciego ante el futuro, vive en un oportunismo que ha vaciado de toda credibilidad al principio de justicia. Tal oportunismo vuelve todo espectáculo: la naturaleza, la historia, el sufrimiento, las otras personas, las catástrofes, el deporte, el sexo, la política. Y el instrumento utilizado para hacer esto hasta que el acto sea tan habitual que la imaginación condicionada lo haga por sí misma; es la cámara.

El espectáculo crea un eterno presente de expectación inmediata: la memoria cesa de ser necesaria o deseable. Con la pérdida de la memoria las continuidades de significado y juicio también se nos pierden. La cámara nos alivia del peso de la memoria. Nos recorre como Dios y recorre por nosotros. Y no obstante ningún otro dios ha sido tan cínico, porque la cámara registra para olvidar.

Susan Sontag localiza muy claramente a este dios en la historia. Es el dios del capitalismo monopólico.

“Una sociedad capitalista requiere una cultura basada en lasimágenes. Necesita promover vastas cantidades de entretenimiento de modo de estimular la compra y de anestesiar las heridas de clase, raza y sexo. Y necesita reunir cantidades ilimitadas de información, para mejor explotar los recursos naturales, aumentar la productividad, mantener el orden, hacer la guerra, crear empleos para los burócratas. Las capacidades gemelas de la cámara, subjetivizar la realidad y objetivarla, sirven idealmente a estas necesidades y las fortalecen.

Las cámaras definen la realidad en dos formas esenciales para los propósitos de una sociedad industrial avanzada: como espectáculo (para las masas) y como objeto de vigilancia y registro (para los dominadores). La producción de imágenes también posibilita una ideología dominante. El cambio social se sustituye con cambios en las imágenes.”

La tarea de una fotografía alternativa es incorporar la memoria social y política, en vez de convertirse en un sustituto que fomenta la atrofia de tal memoria. Para el fotógrafo esto significa no pensarse como un reportero o reportera para el resto del mundo sino alguien que registra para aquellos involucrados en los sucesos fotografiados.

Esta distinción es crucial. Hoy no es posible una práctica fotográfica alternativa (si se piensa en la profesión de fotógrafo). El sistema puede acomodar cualquier foto. No obstante es posible comenzar a usar la fotografía de acuerdo a una práctica dirigida a un futuro alternativo. Este futuro es una esperanza, muy necesaria hoy, si habremos de mantener una lucha, una resistencia, contra las sociedades y la cultura del capitalismo.

Es posible que la fotografía anuncie proféticamente una memoria humana que falta concretar social y políticamente. Una memoria así abarcaría cualquier imagen del pasado, por más trágica o culposa, dentro de su propia continuidad. Se trascendería entonces la vieja distinción entre el uso privado y el uso público de la fotografía. Darle contexto retorna la foto al flujo temporal, no a su propio tiempo porque esto es imposible, pero sí al tiempo narrado.

El tiempo narrado se torna histórico cuando lo asumen la memoria y la acción sociales. El tiempo narrado, construido, necesita respetar el proceso de la memoria que espera estimular. No hay una única aproximación a algo recordado. Nuestros recuerdos no estarían al extremo de línea alguna. Numerosas aproximaciones o estímulos convergen en éstos o conducen a ellos. Las palabras, las comparaciones y los signos necesitan crear un contexto para la foto impresa, esto es, deben marcar y dejar abiertos diversos abordajes. Tiene que construirse un sistema radial en torno a la foto para que pueda contemplarse en términos simultáneamente personales, políticos, económicos, dramáticos, cotidianos e históricos.

About Looking, Vintage International, Nueva York, 1980.

Vía Galería Mediadvanced

El lenguaje de la luz es el nombre de la exposición que se puede ver en IDEP. Se trata del particular homenaje de Enric de Santos y Patricia Gil al fenómeno lumínico.

Se trata de una bellísima colección de fotografías de exteriores en blanco y negro obra de Enric de Santos y Patricia Gil. Y es que todo cuanto vemos y posteriormente captamos, se lo debemos al fenómeno lumínico. Priorizar la luz, incluso por encima del propio tema elegido para la imagen, es el homenaje que Enric y Patricia han querido dedicar a la luz, materia prima de la fotografía.

Enric de Santos es profesor del área de Fotografía de IDEP, donde colabora en diversos programas. Patricia Gil es antigua alumna y durante el pasado año académico participó en el Curso de Fotografía General y en el Taller de Naturaleza y Paisaje .

Ha colaborado Canson Infinity Baryta y toda la colección está impresa con ese papel.

La exposición podrá visitarse hasta Navidad y forma parte del Festival Europes organizado por La Fabrica.

Vía IDEP

Sierra Leona, con otra mirada es una exposición organizada por Médicos del Mundo sobre la experiencia en Koinadugu, distrito rural de Sierra Leona, donde la asociación lleva a cabo un proyecto de fortalecimiento de la salud primaria.

Puedes visitarla en la plaza de Trascorrales de Oviedo entre los días 13 y 16 de diciembre, la entrada es gratuita en horario de 14.00 a 20.00 horas.

Las fotografías muestran la realidad humana de Koinadugu y la implicación de sus gentes en el proyecto que Médicos del Mundo Asturias lleva a cabo en la zona.

Teléfono de contacto: 985 207 815.

Vía Foto Astur

Kulúngele! es un reportaje documental de África que huye de todos los tópicos asociados al país. Es algo totalmente distinto a lo que estamos acostumbrados a ver. La crítica ha equiparado el trabajo de Cristina de Middel al de una autora africana por su localizada visión de la cotidianeidad del Continente.

Para De Middel, las expresiones artísticas deben ir cargadas de mensajes que perduren y desencadenen un cuestionamiento y un aprendizaje por medio de la reflexión. El interés de la autora por la fotografía radica en la carga documental y testimonial intrínseca, ésa que viene de serie. Para ella, hacer fotos es un catalizador que se sitúa en el borde de la verdad y la mentira y que añade muchas dimensiones a la fotografía como objeto; algo que no se limite a la pura contemplación estética.

Si nos bajamos del jeep color crema que nos acerca a las gacelas en plena sabana, nos quitamos los pantalones desmontables y guardamos la brújula en la maleta de nuevo; si seguimos al guía nativo después de su jornada de safari hasta su casa en el centro de Nairobi, nos encontramos con un África de la que no hay postales.

África es hoy el resultado de guerras y plagas importadas de Occidente en fondo y forma, pero es sobre todo un mercado por explotar que ha situado el modelo del primer mundo como objetivo a alcanzar a pesar de su evidente fracaso.

Kulúnguele significa “OK” en zulú  y le pone título a esta serie de imágenes con las que reflexiono sobre la verdadera identidad africana lejos de los atardeceres en el Kalahari y el rugido de la marabunta.

Podéis ver la exposición en la FNAC DIAGONAL MAR, situada en Avda. Diagonal, 35 en Barcelona hasta el 14 de diciembre de 2010.

Vía Club Cultura